人物

　　张伟平(中国美术学院教授、硕士研究生导师 陆俨少艺术研究会理事)

　　徐 华(博士、副教授、硕士生导师、《陕西国画院·院刊》执行主编

　　张伟平,1955年生于桂林，祖籍永福。1984年毕业于浙江美术学院国画系山水专业，获学士学位。1997年毕业于中国美术学院国画系山水研 究生专业，获硕士学位，并留校任教。1999年至2012年任中国美术学院国画系山水教研室主任。现为中国美术学院国画系教授，硕士研究生导师，陆俨少艺 术研究会理事。

“写”在当代——走近国画名家张伟平

　　世间万事万物有各自的属性，有些属性是某个或某类事物所特有的，决定该事物的本质。若要认识中国 画的本质属性，辨别中国画作品的优劣真伪，首先要知道中国画画什么，童中焘先生认为中国画画的是“理法”。“理”为画理，属理论。“法”是方法与技法。那 么你这怎么看中国画的本质属性。

　　我以为，中国画的本质属性是与人生命中最重要的需求有关。中国画是一门生命的艺术，是释放“正能量”的艺术。无论是读画还是画作画，中国画呵护 的是人的生命，所以中国画所提倡的生意、生机、生气、生动、生生不息等都与生命有关。那么对于中国画而言生命本质是什么，我认为是“自在”。在这一点上东 西方之间是有区别的，西方人所追求的是“自由”不是“自在”，西方追求的自由常常会面临着烦恼。比如看到鸟在天空自由的飞翔，当这种自由无法达到之时他就 面临烦恼。所谓的“天高不在高，人心比天高”。而中国人追求的“自在”是根据中国画的“自在”所求，于是我们就选择了中国画的“相间”法则。中国画的“相 间”法则是最能表现人的“自在”的，这中“自在”的状态就是生命中最重要的东西。在中国画绘画中如果脱开这个东西，非要用色彩或西方的艺术观来强加于中国 画，就把本质的东西给丢掉了。我们的身体就不会得到一种愉悦、快乐和自在的宣泄，那么我们就会感觉很郁闷、不自在。甚至会面临痛苦，画家郎世宁就是一个很 好地例子，他在绘画的过程中不自在的表现成为一种常态。中国画是讲究天人合一，物我合一就是这个道理。

张伟平作品《寒林小雪》45x35CM 2008年

张伟平作品《秋林翠鸟》45x35CM

张伟平作品《塔林清风》60x50CM

张伟平作品《鸟鸣山幽》60x50CM 2008年

　　“自在”是一个人某个行为表现轻松自然的状态。“自在”是感觉舒服、开心、舒适。自在是指心灵的自由放逸，通达逍遥的境界，正所谓的“心似白云常自在，意如流水任东西”。自在是一种高层的追求，若果落实在纸上，你如何看中国画的画法?

　　中国画的画法有两点：一、基础画法。凡是与形体有关系的，诸如“石分三面”、“树分四枝”，只要是具体的东西，都属于基础画法。二、核心画法。 所谓核心画法就基础画法与心性相吻合，从心中生发出来的画法(画由心生)，这就是核心画法。像画家黄公望、倪云林，范宽他们各有各的核心画法。画家若一起 笔就直接冲着丘壑而去或落笔就直接照搬，八大、石涛的绘画模式，我们就知道他们不懂中国画的“核心画法”。同时还要搞清楚自然和中国画之间的关系，正如董 其昌所说“以蹊径之奇怪论，则画不如山水，以笔墨之精妙论，则山水不如画”画中国画一定要懂得中国画的画法，我一直是这样坚持并这样一路走来的，另外画中 国画要走阳光大道。在教学中，我一直在努力的修一条高速公路，让学习中国画的每个人都可以沿着这条路走上大道。

　　近百年来，中国画领域关于笔墨的讨论一直未曾中断过，中国画的笔墨所具有独立的审美价值，它能直接传递画家才思情感，作为中国画的实践与研究者，请你谈谈你对中国画笔墨认识。

　　“笔墨”是虚的，因为它是一种文化感觉。犹如春的气息一样，无形无色。“笔墨”又是实的，说它实是因为这种“文化感觉”可以通过体会并带到我们 的画里，也和春色一样，其气息在花开花落之间。古人对“笔墨”的感悟，创造出了各自的法式。中国画的“笔墨”演变至今，已形成了一整套具体审美法则。童中 焘先生在研习前人的基础上笔，对中国画笔墨审美做了补充，它们分别从平、留、圆、重、变、清、沉、润、和、活十个方面进行阐释，“平”(指笔在力的把握下 起止、转折都要平稳，不急不躁，既要有匀速又要把持它能随意在各种水平线上运动，它是运笔的最基本要求，也是最难达到的要求)、留(指力蕴含在笔迹内不向 外溢出)、圆(指笔迹不平扁)、重(就是有份量，不轻浮)、变(指笔迹有变化，不是一种感觉，一个样式)及“清(指墨色明透，有精神)、沉(指墨色不浮 躁，吃得住纸)、润(指墨色滋润)、和(指墨色变化多而不乱，和谐统一)、活(指墨色要有生气，不死板)”。(引童中焘画语录)我想大概从这几个方面我们 就可以审视自己的笔墨功底和对美的判断了。

张伟平作品《涧水无声》33x33CM 2013年

张伟平作品《鸟呜涧》33x60CM 2013年

张伟平作品《鸟呜山更幽》33x60CM 2013年

张伟平作品《山中一夜雨》142x72CM 2011年

　　书法作为中国画的基础，一些人认为线条质量最重要，而在我看来，书法的结构和平行线内的提按才是最难的，你怎么看书法对画家的启示的。

　　关于书法对画家有何意义，其实书法中的核心的问题就是“担夫让道”中的“争与让”的道理，驾驭书法结构之上的其实就是“争和让”的关系。每个人的性格不同，所带来的争让程度也各不相同。潘天寿画语录中所说的“造险”与“破险”也就是这个道理。

　　中国山水画的追求“畅情”“ 聊写胸中之逸气耳”，追求自然与人的主观情绪相结合，达到一种自在。这种自在如何与中国画的时代性相融合。

　　每个时代都有自己的特征，我们这个时代有也一样，在经历了很多人的铺垫后，才能沉下来形成一个高点，这个高点是谁，会是什么样子的，我们现在无 法估计，但是要强调的这种高度一定体现生命最“自在”的东西。因为只有这种状态，才可以将这个时代的精神传承下去。画家李可染的作品就具有很强的时代特 征，李可染在写生中抓住了“逆光体”的这个点，经过不断锤炼修为笔墨已经融进了他的血液当中，所以在他后来画创作的时候他的墨笔特别亮。但同时他也有时代 局限性，他的艺术是以歌颂祖国的大好河山为指导思想，所以他的作品还没有完全把物质的“逆光体”给“心迹化”了，所以说，只要画家的心首先要有时代感，那 么他的作品自然会有时代性，画由心出。